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我到底有多迷恋人工智能?

昨天看到一篇文章,说“波士顿动力机器人高台跑跳酷如履平地”,作为一名女性人工智能爱好者,心里真是一阵子小激动的。那么,今天,我们就一起来“看”一部电影史上最不能错过的人工智能电影——《银翼杀手》吧。

 

文章写的耗心耗力,长、很长、非常长,看过之后,你们就知道我有多迷恋人工智能了。

银翼杀手-小爱讲电影 来自幕味儿 00:00 02:40

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《银翼杀手》是电影史上最伟大的科幻电影系列之一。

 

无论是1982年雷德利斯科特执导的《银翼杀手》、还是2017年丹尼斯维伦纽瓦重拾的续集《银翼杀手2049》,这个系列在世界电影史上都具有非常高的史学和艺术价值:

 

它开创了科幻电影的新流派-赛博朋克(Cyberpunk)、同时将科幻电影与传统黑色电影(Film Noir)相糅合,催生了黑色科幻电影的新时代、它所创造的视觉奇观与思辨主题已经深深影响了85后90后们在电影、电视、游戏、音乐等领域的艺术创作。

 

在进入正题之前,我们先来了解一下什么是赛博朋克和黑色电影。

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赛博朋克,在英文中由“Cyber”和“Punk”两个词组合而成:

 

“Cyber”是单词“Cybernetics”的前缀,Cybernetics的意思是“控制论”,确切地说这是一门研究动物与机器之间的控制和交流的学科;

 

“Punk”,”朋克“,这个词大家比较了解,它指的是上世纪70年代开始流行开来的具有叛逆精神的摇滚精神。

 

由这两个词组合而成的”Cyberpunk“,也就是”赛博朋克“强调了”科技“和”叛逆“两个层面的意思,这个词早期是起源于科幻小说,相对于描述遥远未来和外太空故事的传统科幻小说,Cyberpunk小说的背景设定通常都是在near-future, 也就是不远的未来,而故事的主人公往往都是与主流社会格格不入的边缘人群。

 

1982年《银翼杀手》的诞生将Cyberpunk的概念从小说扩展到电影,可以说,《银翼杀手》为之后所有的Cyberpunk科幻电影树立了标杆,无论是《黑客帝国》还是《攻克特工队》,我们都能从这些作品的电影文本中看到许多共通点。

 

那么,Cyberpunk电影有哪些显著特征呢?

 

首先,Cyberpunk电影的背景设定一定是围绕地球(而不是遥远的外太空),故事一定是发生在并不是那么遥远的未来,而画面的视觉体验一定是潮湿阴冷、黑暗颓废、并且冰冷荒凉;

 

其次,Cyberpunk电影在思想主题上对于电脑科技的发展有着哲学性的思辨与探讨,影片中往往到处都充斥着高科技发展的产物,而具有讽刺意味的是故事的主人公通常却是生活在底层的边缘人物,是的,Cyberpunk电影一定是在讲述“High-tech, Low-life”;

第三,在设计故事矛盾冲突的时候,Cyberpunk电影关注的一定是自然主义与某种人造的社会秩序的对立,而由此而引发的影片更深层次的探讨成为了Cyberpunk影片的第四个主要特征;

 

第四,接上一点,也就是对人类与机器的命运、关系与未来进行深刻探讨。

 

如果说《银翼杀手》所开创的赛博朋克科幻在1982年上映之初对于时代还太过超前,那么在今天,在库兹韦尔在其人工智能寓言中所描述的那个Singularity-“奇点”即将降临的今天,《银翼杀手》与Cyberpunk科幻对于善于思考的现代观众而言,有着无比魔力的魅力,它的内涵对于这个世界的意义,已经变得非同寻常,而这,正是《银翼杀手》的伟大之处。

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再来看一下什么是黑色电影(Film Noir)

 

黑色电影源自1910年代与1920年代德国表现主义电影,同时,黑色电影也受到巴罗克艺术与风格主义中一些具有黑白对比与「低光照明」的式画风的画作的影响。

 

通常来说,黑色电影指的是好莱坞侦探片,这类影片着重强调善恶划分不明确的道德观、以及来自於两性动机的题材。

 

好莱坞经典的黑色电影时期是上世纪40年代至50年代末,这个时期的黑色电影带有压抑黑白片的视觉风格,调子阴郁、情绪悲观、表现愤世嫉俗和人性危机,通常糅合了美国的暴力题材、德国表现主义的摄影风格和法国的存在主义思想。

 

新黑色电影保持了早年黑色电影的风骨,在视觉上,大多以夜景中的黑暗城市为背景,采用极端角度的摄影构图,高反差照明,低调布光,营造出黑暗氛围。

如果说传统的黑色电影只是揭露了社会的黑暗面,却不曾对此进行强烈的批判,那么新黑色电影的不同之处在于它以更为悲观、暴力的方式来批判现代社会中过的阴暗和罪恶,新黑色电影有着比传统黑色电影更为深刻的主题,我想,也正是因为这个原因,很多电影大师,包括波兰斯基,马丁斯科塞斯、昆汀和诺兰都钟爱于新黑色电影的创作。

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雷德利斯科特与维伦纽瓦的过人之处就是他们都把科幻元素完美揉进了新黑色电影中,无论是82年版的《银翼杀手》,还是17版的续作,《银翼杀手》系列都成功地把电脑科技、人工智能、反乌托邦、反英雄主义、大型企业腐败与传统的侦探故事结合在一起。

 

在这两部充斥着高科技元素的侦探故事中,对与错已经没有了清晰的界限,人们看到的是一个善恶并存的、混乱的、矛盾的世界,这个世界看起来阴冷而黑暗,令人震惊的已经不再是人类对于自身命运的思考。

的确,如果两部影片的主题还停留在那个方面,那么《银翼杀手》系列最多也就是卓越而不是伟大,无论是82版还是17版,《银翼杀手》的视角已经跳过了人类,所有的思考都是寻着复制人的角度展开的,就在传统的科幻电影不约而同地让人类反复思考“Frankenstein”式的问题,也就是“人类在欲望的膨胀之下追求的科技发展是否会毁灭人类”这一主题时,《银翼杀手》早就已经高级到直接让人工智能作为具备了独立意志的生命主体来思考同等的问题了,这不是电影文本层面的伟大,这是两位导演在超前意识上的伟大。

 

当影片中的主人公在思考着这样的问题时,他们作为Blade Runner,银翼杀手的身份与后面的所作所为,又充分展现了新黑色电影的特点,观众在观看影片的时候也会自然产生情感导向,这也是为什么在第一集的片尾复制人Roy临死前的那段话如此打动人心:

 

我曾见过人类无法想象的美

我曾见过太空战舰在猎户星座旁熊熊燃烧

注视万丈光芒在天国之门的黑暗里闪耀

而所有的过往都将消失与时间

如同泪水消失在雨中

 

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17版《银翼杀手2049》的片尾,K倒在台阶上即将离世的场景令人震撼。可以说,具有Cyberpunk外壳的黑色科幻电影《银翼杀手》系列,在视听语言上一再打破主流R级作品制作的天花板,在精神内涵上一次又一次超越了影片所发行的年代,从艺术性与电影研究发展史的角度而言,这个系列堪称经典、堪称伟大。

《银翼杀手》系列自带了两个电影属性:

 

一是影片的赛博朋克(Cyberpunk)式氛围;

 

二是影片新黑色科幻电影的内核。

 

无论是1982年雷德利斯科特版的《银翼杀手》、还是2017维伦纽瓦版的《银翼杀手2049》,两部影片无一例外都采用了100%纯“电影感”的方式为人们呈现了一个令人类期待又绝望的未来,那是一个毫无生机的末世废土世界。

 

就在所有科幻片作者乐此不彼地描绘着一个生机盎然的未来科技世界的时候,雷德利斯科特和维伦纽瓦偏偏反其道而行之,甘愿冒犯观众的内心期待而去呈现一个近乎废弃的、被现代工业垃圾严重污染的堕落的城市,很显然,那是人们无法接受的未来。

在《银翼杀手》系列故事中,人类还必须直接面对另一个无法接受的事实,那就是人工智能的自我觉醒,两部影片一脉相成地为此倾力打造了极具视觉与情绪煽动性的影像和故事。

 

下面,我们就回到《银翼杀手》的电影本体,从故事主题和视觉风格两个方面来一探这一系列的伟大之处。

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毫无疑问,两版《银翼杀手》想要讨论的都是“自我身份认同”这个主题,这与传统的科幻电影很不一样。

 

从上世纪四十年代的《Frankenstein》(科学怪人)到卡梅隆的《终结者》系列再到深受现代观众追捧的美剧《西部世界》,大部分在相同设定下构建的科幻电影通常都是从人类的视角出发,去反思电脑科技和人工智能有可能带给人类的灭顶之灾。

 

在那样的故事中,被人类亲手创造的再生生命体,无论是Frankenstein、还是Sky net、或者是人工智能机器人,它们独立意志的觉醒都被电影创作者描绘为是一种自带了反抗精神的”暴动“,于是,这些电影的世界观和价值观被人类所主宰,因为再生生命体是不可以觉醒(暴动)的,所以人类有了消灭它们的理由,因为人类需要守护自己的家园,这是一个听上去多么堂而皇之的理由啊。

 

然而,《银翼杀手》和《银翼杀手2049》的打开方式完全是抛弃了这些典型性人类逻辑的。

从82版的老电影开始,这个系列的视角就是从Replicant,也就是复制人的角度来寻找自我认同,无论是雷德利斯科特还是维伦纽瓦,两个人都没有将重点放到人类与机器人应该如何和平共处这个问题上,在《银翼杀手》系列里,并没有人在整天反思电脑科技带来的恶果,观众自始至终看到的都是复制人在自我意识觉醒的过程中不断寻找自我、怀疑自我、否定自我、再到肯定自我的复杂的纠结的矛盾的心路历程。

 

《银翼杀手》系列不讨论科技发展的对错,《银翼杀手》探讨的是人类与人工智能的临界点。

 

在这样的剧情设定里,没有人工智能的集体暴动,没有复制人想要推翻人类占领地球的惊天大阴谋,复制人的所有挣扎与追求,只是为了能够多活几年,或者,发现并确认”我是谁“,这是《银翼杀手》系列高级于其它科幻电影的核心所在。

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美国著名的未来学家库兹韦尔已经在其”奇点降临“理论中预言了影片中诸多场景点到来,问世于1982年的《银翼杀手》与2017版的续作对于现代观众而言,已经不仅仅是一部科幻电影那么简单,这个电影系列就如同科幻电影的开山鼻祖-库布里克的《2001太空漫游》一样,同样是以影像的形式表达了一种哲学思辨的主题。

 

如果说《2001太空漫游》讲述的是人类在宇宙中的地位,那么《银翼杀手》与《银翼杀手2049》则探讨了Replicant,也就是复制人在宇宙中的地位。

 

当然,影片在精神内核中依旧探讨了人类与人工智能的关系与未来,然而,不同的是,这两次都是人工智能视角,而不是人类视角,这是雷德利斯科特与维伦纽瓦的高明之处。

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2017版的《银翼杀手2049》在剧情上延续了前作的基础设定,无论是哈里森福特饰演的Deckard还是高司令饰演的K,新旧两版的主人公都从一个原本漠然服从组织安排,只知道执行命令的冷血警察转变成为了保护某样东西甘愿付出生命的热血警探,这是典型的新黑色电影的剧情设定:

 

一个原本要为组织效力的警察突然之间徒手反抗了,而这个反抗的过程充满了现代主义的悲剧色彩。

 

在2017版的续作中,维伦纽瓦把这个主题表述得更为清晰,在视听语言上也走得更远。

K是Replicant,这是一开场的明确交代,在接下来的整部影片中人们看到的是一个复制人在寻找自我认同的过程中表现出来的人性光芒。

 

K的追寻过程是细腻的、也是矛盾的,当他抬起手去感受天空中漫天飞舞的雪花、雨水、甚至马蜂的时候、当他与投影女朋友陷入爱情的时候、当他惊喜于自己就是那个特殊的孩子随后又遭受否定自我救赎的时候,没有人会质疑他的身上其实早已具备了灵魂。

 

片尾,K躺在台阶上不久于世的场景与82版前作中Joy的离世令人震撼,因为人们早已经不自觉地站到了他们,复制人的视角上思考并感受这个世界。

老一代银翼杀手Deckad的身份并不如新版中的K那样明确,关于哈里森福特所饰演的Deckard是不是复制人的问题,雷德利斯科特和哈里森福特已经争吵了35年。

 

作为导演的雷德利斯科特坚持Deckard也是复制人,但是哈里森福特却死活不同意,他坚持自己饰演的是一名人类。

 

在影片中,人们并没有看到一个非常明确的指向来说明Deckard的真正身份,我个人会坚持认为如果Deckard是一个Replicant,那么故事带给观众的冲击将更为强大。

想一想,如果他是人类,那么一切都如现有的故事一般,已经顺理成章。但是,如果Deckard也是复制人,那么他作为复制人所经历的自我意识觉醒与身份反转将会进一步强化影片的主题,而对于看多了悬疑烧脑的现代观众而言,这样的反转似乎更具备现代电影的逻辑性。

 

当然,如果你一定要我给出一个Deckard是复制人的hint,我会提醒你想一想Deckard最后在家中捡到的那一只折纸,所有有复制人的地方都会出现这样的折纸,不是吗?

另外,从两部影片的前后衔接与整体性而言,《银翼杀手2049》涉及到了复制人的繁衍和生育问题,试想一下,如果是两个复制人生出了一个具备了人类躯体与灵魂的下一代,那么,影片所展现出来的力量将会是多么的震撼?也许60后50后观众,包括哈里森福特本人并不希望如此,因为在他们那个时代的价值观里人类的地位是绝对不可以被侵犯的。

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再来看看这个系列电影的视听语言。

 

1982年雷德利斯科特的旧版《银翼杀手》不仅开创了Cyberpunk,赛博朋克的电影流派,还把好莱坞新黑色电影的发展拔高到一个科技类型片的新高度。

 

就视听语言而言,《银翼杀手》不仅忠实捍卫了黑色类型电影的拍摄风格,并且开创了以科技“邪典”(Cult)为特征的全新的黑色电影视觉影像,人们在大银幕上看到的是一个充满着潮湿、阴冷、暗黑且凌乱的末日废土世界。

雷德利斯科特一反未来电影对于高科技发展的光明展望,刻意营造了一个在视觉体验上令人产生强烈不安的脏乱感,光影、雨水与黑暗蒸腾中的躁动呈现了一个似乎随时都会被瓦解的世界。

 

当然,即将被瓦解的究竟是人类,还是Replicant(复制人)?为什么在科技已经如此发达的2019年,人们赖以生存的这个都市竟然看起来是一番末世景象?旧版《银翼杀手》的视觉谜题首先在观众的潜意识中播种下这样的问题。

 

随着影片剧情的发展,老一代Blade Runner(银翼杀手)Deckard接到任务要让泰勒公司的连锁六号复制人逐一退休,在人类视角下的这个动词是’退休’,而不是”杀死“或者”击毙“,于是影片有了矛盾冲突的主线索,因为对于即将被”退休“的Replicant而言,那个动词应该是”杀死“,或是’击毙”。影片有了可看性和趣味性。

 

按照传统科幻片的拍法,接下来银翼杀手追捕复制人的过程应该是令人目不暇接的镜头运动和炫酷的交叉剪辑,再配以动感炫酷的流行音乐,然而,雷德利斯科特骨子里满满都是赛博朋克与新黑色电影的桀骜不驯与叛逆,他不要俗套的“快”,相反,他要的是镜头慢下来、画面静下来。

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没有人想到,雷德利斯科特在一个2800万美元的投资中选择了艺术片式的镜头语汇。

 

在雨雾迷蒙的局促空间内、在冰冷潮湿的末日建筑间、在霓虹闪烁的凌乱无序里,雷德利斯科特用缓慢的镜头运动呈现了两个女性复制人的被退休过程。不知道是有意还是无意,在拍摄Zhora与Pris的时候, 摄影机都对她们的眼睛给予了特写,当观众看到那两双灵光闪动的大眼睛时,真的很难想象她们是没有灵魂的被创造的机器。

 

雷德利斯科特刻意放缓了两个女复制人的死亡过程,一个在逃跑时撞击了玻璃门,在碎玻璃漫天飞舞的缓慢节奏中痛苦倒地、另一个被枪击倒地,临死前浑身强烈抽搐,发出痛苦的哀嚎,这两个场景没有现代商业电影干净凌厉的剪辑,雷德利斯科特就是要让观众感同身受那个凝固在时间与空间中的,复制人被痛苦退休的过程。

 

在影片片尾,复制人Roy终于在临死前找到了生命的意义,在处理这个场景的影像时,雷德利斯科特天才般地运用了雨水、蓝光与橙色霓虹灯来进行叙事。

 

当Roy处于狂躁暴力的状态追逐Deckard的时候,雷德利斯科特用蓝色光照来处理从天而降的雨水,特写画面中Roy狰狞的大脸被从天而降的因光照而发光亮的雨水切割成不同的空间,那个画面令我想到了希区柯克《惊魂记》片头字幕那些配合了提琴的切割和弦、从四周飞摄而来的条纹,同样的切割画面,代表了同样的“杀戮”意向。

 

然而,几分钟后,当Roy在天台上内心转变,找到生命的意义的时候,这时候雷德利斯科特不再给予雨水特殊的照明强调,Roy在冰冷湿滑的天台上静静地离世了,雨滴突然变得细腻而温柔,彷佛生怕惊扰了Roy手中那只象征着美好愿望的白鸽,而此刻背景中出现的橙色霓虹灯的出现,为那个永恒的瞬间带来了一丝温暖,在这一刻以前,背景光照一直都是冰冷的蓝色冷光。

 

雨、雾、霓虹灯、雨水,所有这些元素都在雷德利斯科特的缓慢镜头下参与了叙事,就如同《2001太空漫游》一样,《银翼杀手》是一部真正用电影语言来进行叙事的电影。

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2017年维伦纽瓦的《银翼杀手2049》在视觉风格上并没有旧版那么邪典,但是它却坚持捍卫了黑色电影的所有影像特征。与前作相比,《银翼杀手2049》依旧阴冷,但是却少了潮湿、多了华美与炫酷,我想,这与罗杰迪金斯的天才摄影是密不可分的。

 

从整体的视觉风格来看,《银翼杀手2049》承袭了旧作对于光影和雨水的偏爱,只是,这一次,维伦纽瓦与迪金斯走得更远了,除了黑暗的雨水、灰白的雾气、冰冷的蓝色冷光,他们还为这个系列电影注入了黄色的颓废感。

在影片中,不同场景的主色调是不一样的,当摄影机着力于呈现核爆炸以后未来末世的荒芜景象时,维伦纽瓦与迪金斯选择的是可怕的颓废的沙尘暴的黄色,那是带给人绝望心情的黄色。

 

然而,这个黄色并不是仅仅出现在核污染区的外景之地,华莱士公司内部的前台与办公室里,布光也是同样的黄色,这种黄色对于观众有着强烈的心理暗示,哪怕是在科技极度发达的华莱士公司内部,世界依旧是荒芜并且走向陌路的。

 

罗杰迪金斯有一个标志性的照明装置叫做“环形灯”,这个装置能够帮助灯光师与摄影师在拍摄现场精准地把控每一个场所和角落的照明与亮度调控。在《银翼杀手2049》的拍摄现场,迪金斯照例打造了一个超大的环形灯装置,他希望通过光影的语言帮助维伦纽瓦塑造人物形象并且营造氛围。

我们以片中的一个场景为例:

 

为了呈现大反派华莱士的矛盾、极端与神经质,维伦纽瓦与迪金斯决定通过光线的折射原理来营造现场氛围,他们参考了中世纪教堂里天窗采光的原理,在主场景中设计了一个大水池,那个场景的拍摄原理就是运用水面上的焦散影像来营造华莱士在对话中出现的不同情绪。

 

观众在影片中看到的是黄色霓虹灯装饰灯房间里,四周的墙壁上都投射着美丽的水波荡漾的反射,整个场景的布置温暖而柔软,然而被光影切割开来的空间画面又在暗示着接下来血腥与杀戮的骤然出现,当华莱士用刀穿刺复制人身体的时候,鲜红的血液与黄色暖光形成了鲜明的对比,维伦纽瓦并没有忘记这是一部R级的黑色电影。

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无论是旧版的《银翼杀手》,还是新版的《银翼杀手2049》,这个殿堂级的科幻电影系列有太多的细节值得我们反复去观看、并且学习,其实我对于那个那个波士顿的动力机器人能跳多高并不是很在意,我关心的,是它的内心里面,是不是已经埋下了爱的种子。

 

我是小爱,喜欢研究科幻电影的小爱。

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